这些声光电艺术,美到让你哭!

芭莎艺术2020-07-15 09:56:48

Nigel Stanford《Cymatics》

如今,越来越多新媒体艺术作品在各大展览上出现,它们从更多元的层面诠释出艺术家的思考,艺术媒介进入了全新的纪元。一幅安静的画作如何与一件带有声光电的炫酷装置抗衡,饥饿的视觉动物们又会做出怎样的判断?


新媒体艺术,可以归类为侧重利用现代科技和新媒体形式的艺术。席卷而来的多媒体材料,对于艺术意味着综合性的冲击。在过去几年里,“新媒体”一词频繁出现在艺术的各个领域,仿佛迫不及待地要告别过去,也掀起了一轮又一轮的讨论。

Dan Flavin作品


绘画从具象一路走来长路漫漫,曾为了排除文学性乃至物象,成为了画布上仅有的一些颜色,走到了抽象。受音乐精神影响的激浪派,让人联想到古代大教堂中,壁画和雕塑在管风琴的协同渲染下产生的神圣感。但在今天,这些都不再神秘。多媒体将各种艺术再次捆绑在一起,营造出史无前例的综合体验。Adrien M/Claire B作品

声光电全面来袭


新西兰著名环境音乐作曲家Nigel Stanford,曾推出一部MV《Cymatics》。其中,沙、水、火,甚至电都被艺术家作为素材,呈现出极其酷炫的视听效果。这种前所未有的表演,能瞬间燃起观者的肾上腺素。先来看这部作品:

Nigel Stanford《Cymatics》


Nigel Stanford这张专辑以 “大地” 作为旋律变化的视觉主轴,第一波Cymatic音乐让视听感受变得十分丰富。MV中的火、水、电等元素受声波影响产生振声,与他的演奏相互此起彼伏地配合,相当震撼。


在MV中,黑色金属板上面放置沙子并且连接着乐器,通过不同的音频循环与自然重力作用而形成不同的几何图形。这些迷人的几何图形同时也可以通过数学运算出来,当音频越高时,图案也就越复杂,除了水、沙子,还有墨水和火、雷的交集。


Nigel Stanford还通过调整声波,来进一步操控可燃气体燃烧的火焰高度,在视觉上让观者大饱眼福。另外,弯曲的水用了巧妙的设计。他将橡胶软管与大鼓的扬声器接触,再经过踩击鼓面产生声波,从而形成神秘的水柱曲折变化。


Nigel Stanford在整部作品中如同魔鬼的化身,与火焰共奏,与闪电齐舞。这些挑逗视觉的炫酷艺术,实际上是很好地将科学原理与实践融入了艺术,达到多层面艺术之间的相互反应,超越传统媒介所能给予的视听感受。

荧光灯艺术

“声光电”时常被作为多媒体艺术的一种通常叫法,也由于这三个元素几乎囊括了新媒体最为基本的三种可能性。

Dan Flavin作品


说到光,许多观众不难想到最近大热的艺术家James Turrell,他的作品很好地阐释了光。然而,荧光灯进入艺术的时间相当早。美国艺术家Dan Flavin擅于用光进行创作,是极简主义艺术的先驱。


Dan Flavin最著名的就是具有开创性的灯具装置,他的灯光装置作品提供了对空间和光的严格形式以及概念。


Dan Flavin首次对荧光灯表露出兴趣,是在1961年他写的诗中,他将荧光灯闪动的光芒比喻为艺术的开关。后来,他开始在艺术创作中尝试使用荧光灯这种材料。由于对材料的不熟悉,早期作品中的灯管还经常会破碎或爆裂,但他并没有放弃使用,而是很习惯地根据不同突发情况去更换破损的部分。


Dan Flavin的作品中对于简洁的形式、工业材料的使用,以及抽象意义的探索,对后来的极简主义艺术家产生了深远影响,其中包括我们今天熟知的艺术家唐纳德·贾德和索尔·勒维特。


从1963年开始,商用荧光灯成为Dan Flavin创作的主要媒介。他喜欢将这些素材标准化,将其限制在一个有限的调色板和固定的组合形式中,在自我设定的逻辑方式下,展开对光的深入探索与呈现。


Dan Flavin具有突破意义的是1963年的作品《对角线》。在这件作品中,他首次用一根灯管消除了图标的方框,未装饰的黄色荧光灯以45度角抵靠在画廊的墙上。这样的新媒体艺术创作于上世纪中期,远比我们想象中要早得多。


其实,继续向上寻找线索,荧光灯艺术的产生也是受到二战后艺术变化的影响。上世纪50年代,抽象成为艺术表现的主要方式。这个时期,其他的抽象画家例如巴尼特·纽曼和马克·罗斯科,都描绘了大量的色彩。


这部分艺术家对Dan Flavin的艺术有着巨大的意义。我们明显能够看到,罗斯科作品中仿佛发着光的那些大色块,与Dan Flavin发光的荧光灯几何组合与悬浮的形式之间存在着一种平行、递进的关系。


从那时起,荧光灯管就已经作为一件独立的艺术品,承载着艺术家带有深度的思考。艺术史里也真正有了光的存在,这无疑是科学与艺术的完美结合,也是新媒体的萌芽。


空间的感知


“声光电”融入艺术之后,艺术变得活泼起来,艺术家也不满足于通过画面传达思想。多媒介的加入开启了丰富的感知通道,时间、空间等都纷纷成为了多媒体艺术探索的话题。

艺术家Olivier Ratsi作品


Olivier Ratsi是法国视觉艺术家,他的作品主要是探索空间的感知以及现实经验的交互。

Olivier Ratsi《Onion Skin


Olivier Ratsi的作品时常运用许多不同的媒介,例如摄影、数字绘画、表演等等,呈现一个基于时间和空间的解构体,一个带有创造性的过程。这其中,艺术家希望探讨的解构主要表现为一种情绪的触发,这并不关乎内容是什么,更多是让观者在身临其境的视听过程中,重新质疑他们周围的所有参考。


Olivier Ratsi的这件几何图形声光装置名为《Onion Skin》,通过投影技术,将简单的几何元素投射在空间中,同时重新定义新的空间。他利用几何光效制造出充满幻觉的场所,为观者开启全新的视野感知途径。


《Onion Skin》装置利用两面幕布呈直角相交,投影机在幕布上投影出长达14分钟的图形化投影,配合音乐的变化又分为四个部分。5.1环绕声的设置,突出其展现的第三维度的体积和深度的印象。装置的原理十分简单,但呈现出的新空间对观者具有颠覆感知的体验意义。


真实与虚幻共舞


Adrien Mondot和Claire Bardainne是两位来自法国的艺术家,从2004年开始,他们就在数字艺术和表演艺术领域展开了探索。他们还为此成立了自己的同名公司——Adrien M/Claire B,创作多媒体艺术作品。他们非常擅于用软件技术结合现实表演,共同呈现真实与虚拟空间的视觉效果。Adrien M/Claire B《Hakanaï》


作品《Hakanaï》在运动中通过一系列的图像展开,实现现实与梦境之间的单人舞表演,“Hakanaï”一词表示脆弱的、短暂的。视频投影、CGI(Computer-generated imagery)电脑生成动画和传感器动态捕捉,配合演员的表演完成整件作品。


这种杂技般的表演与数字编排结合在一起,创造出一种新的时空,试图探讨由图像构成的动态梦幻景象。


《Hakanaï》这件作品包含了两条线索:人类的思考以及梦的联系。舞者通过与其接触的图像互动,从而在想象和现实之间赋予了新的内容。舞台上的动态图像跟随音乐的节奏运动,这样的数字装置能给观者带来很多启发。


另外,《空气运动》这件作品是三位舞者在一个虚拟环境中,配合投影图像所做的演出。舞者们配合电脑CG动画效果,由数字解码器配合完成。通过电脑特效,舞者能够实现现实中不可能完成的景象,例如在动态的图像上飞或者抗拒地心引力等。


新媒体艺术早已全面入侵传统的媒介与材料,它随着科技的不断发展扩散到艺术发展的各个角落。艺术家更需要成为一位多面手,了解最新的媒介,有选择性地从更多元的层面诠释自己的思考。对于观者,则需要具有更精准的判断力,毕竟这些带有声光电的炫酷艺术,无疑是更加吸引眼球的。


在新媒体艺术和传统艺术并存的时代,不知你又会怎么看呢?




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[编辑、文/张婧雅]

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